Sala de prensa

Alberto Montes

NO FASIS BANYONS

Inauguración viernes 22 de febrero a las 18h

Alberto Montes Gaisán arquitecto y escultor combina el diseño de edificios con su estudio MMiT arquitectos, en compañía de su hermano Agustín Montes Gaisán y Javier Terán alonso con obras de escultura muy entrelazadas  e incluso con elementos comunes descontextualizados. Qué hay de diferencia entre una puerta de garaje o un acceso a una casa y una escultura?

La propia obra escultórica  basada en contrastes de luz escala y densidad pasa a convertirse en fachada y origen de un edificio y viceversa. Obsesionado en que la disciplina artística no es la esencia del mensaje no considera clave el racionalizar una emoción para convertirlo en edificio ni hacer lo contrario sino el propio acto comunicativo y la esencia que lo mueve.

No parece preocuparse por un fin concreto en ninguna de sus obras ni disciplinas sino más bien por una búsqueda continua y su labor COMUNICATIVA al margen de la forma de expresión ; a semejanza del poor art no duda en utilizar los retales de las obras para seguir componiendo esculturas que funcionan como maquetas abstractas y elementos de trabajo al igual que un croquis de obra. En su propias palabras:

“Un croquis de arquitectura al igual que una composición no es un fin sino un camino a algo,  un croquis de obra se dibuja y redibuja y ahí está su esencia. Es sintético y una herramienta personal. Un croquis a limpio para ser bonito  es un absurdo. Su virtud es ser sintético , trasmitir y al sumarse la emoción muy probablemente acabe siendo bonito.”

“Los mejores edificios de la historia se definen con una sección. 

La gente se obsesiona con alzados bonitos ,  materiales, costes, m2…eso no es importante. Lo que emociona a  los sentidos no es eso. Es el espacio, los m3, la luz, las visuales, el tacto, y la mayor parte de esto no tiene coste alguno. Lo que perciben  los sentidos y que no se mide ni se cotiza es lo que verdaderamente genera  sensaciones.”

En arquitectura definir  una buena sección de un edificio es muy difícil y cuando llegas a ella y a sintetizar algo complejo ,  todo lo anterior no vale. Luego se pasa a limpio y se vende pero la original cuesta deshacerse de ella porque está viva, la original es la esencia y tiene un vínculo personal.

Que sería de una silueta de Giacometti sin su trasmisión de la flotabilidad de la figura humana o del Gora Bera de Chillida sin entender el concepto de masa y equilibrio?

 

Damien Hirst

The last supper

“La última Cena” (1999) de Damien Hirst (Bristol 1965) identifica simbólicamente con el episodio evangélico que reúne Cristo y los 12 apóstoles antes del crucifixión. Sin embargo, las imágenes que diseña el artista corresponden a la secularización del desenlace trágico, anunciando el desgarro que se produce después de la despedida.

13 envoltorios de medicamentos sirven a Hirst para parodiar esta escenificación que queda intensificada por el sentido de la existencia, en una representación conceptual sin precedentes.

Hirst parte del modelo de la última cena de Leonardo para Santa Maria delle Grazie en Milán o la de Tintoretto por San encuentre en Venecia. Hirst, además de referirse al último cena de Cristo, muestra la última cena de un moribundo y la última cena del mundo.

500 años después de Leonardo, el artista británico, ya principios del siglo XXI nos dónaseva versión conmovedora de este episodio.

Cartografías 2

Segunda parte de la trilogía del mapa de la aventura de la Colecció Josep M. Civit

La colección de arte contemporáneo de Josep M. Civit y Gomis (Montblanc – Barcelona) es una de las mejores de Catalunya y, entre las europeas, de las que tienen una mayor personalidad en el criterio de selección y en la construcción de una poética.

Como profesional y de oficio, Civit ha dirigido un prestigioso estudio de comunicación visual y estrategia corporativa, desde el que se ha destacado, sin embargo, para producir unas obras donde concepto, reduccionismo antiretòric racionalista y sensualidad abstracto unen con gran eficacia en la proyección social. La Col·lecció Civit participa, hija de la revolución moral y la estética de la sociedad del conocimiento, de un compromiso político a través de la libertad en arte y sus valores.

En el arte contemporáneo -a diferencia de la literatura que preserva memoria o de la comunicación que busca un retorno práctico inmediato- nada es dicho en prosa clara: la dificultad de comprensión sitúa al espectador más cercano a la interpelación ya la comunión que a inteligibilidad del gusto. Como Civit ha expresado: “Colecciono maneras de pensar”.

Consultar exposición Cartografías 1

Más información sobre el Proyecto Colección Civit + Centro Cultural Terrassa

Lluís Estopiñan

La luz que te tocó

Lluís Estopiñan reúne varias series que afloran en imágenes aquello que se resiste a ser mostrado: el paso del tiempo. Su trabajo, en los últimos cinco años, se ha convertido, de hecho, una elaborada reflexión sobre la memoria, la identidad y las capas de alejamiento que sedimentan en la obra a través del uso cada vez más sutil de la pintura , su medio de expresión primordial, poniéndola a menudo en diálogo con la imagen fotográfica.

Su proceso de creación a partir de series le permite explorar diversas formas de acercamiento al cuadro como espacio portador de enigmas sobre la percepción, el recuerdo o la intimidad, a menudo sirviéndose de fotografías de antiguos álbumes familiares adquiridos en los Encants que transportan el sentimiento de la pérdida y, al mismo tiempo, la intensidad de los instantes vividos.

A través del collage, el montaje, las veladuras y los grafismos, incluso los accidentes que algunas de las imágenes que utiliza llevan adheridos, desde manchas de óxido en cortes, desenfoques y restos de escritura, el artista se convierte un arqueólogo en la caza de los vestigios de la existencia, por ínfimos que sean, como si a través de ellos se preservara la integridad de una vida, todo lo que tendremos derecho a poseer.

La periodista cultural, Eva Vázquez, apunta hacia la delicadeza de un modo de proceder que implica también un compromiso ético con las imágenes y el acarreo de memoria que invocan, en el convencimiento de que esta es una de las principales cometidos del arte : hacer presente al ausente.

 

Exposición producida por:

 

Resultat d'imatges de Museu de Granollers

Maria Orpí · pintura y escultura

Abstracciones, volúmenes y texturas

La exposición pretende ser una pequeña muestra de la trayectoria de esta artista que se inició en este campo realizando unos estudios en la Escuela de Arte y Diseño de Terrassa¡ en las especialidades de escultura, pintura y cerámica. Con profesores como: Ferran Bach-Esteve, Gabriel Verderi y Ángela Ubasart. Como también en el taller del tallista J.Panés.

Inauguración jueves, 4 de abril, a las 19h

Maria Orpí. Persona comprometida con el mundo artístico y cultural de su ciudad, Terrassa. Ha sido tesorera y vocal de la Asociación de Escultores de Cataluña y vocal de los Amigos de las Artes y Juventudes Musicales. Su inquietud artística es tanto activa, que participa y expone tanto individual como colectivamente en bienales, certámenes y premios de todo el país. Ha mostrado su obra para muchas poblaciones de Catalunya como Matadepera, Castellgalí, Sabadell, Manresa, Barcelona, ​​Girona, Tarragona, Santes Creus … por el resto del estado y fuera, en el principado de Andorra, Estados Unidos, Bolonia y Gales.

Algunos críticos han descrito su obra así:

“… el artista interpreta, conforme su imaginario, la abstracción impresionista y demuestra un riguroso interés por la materia y por la impresión perceptiva de los colores. En cada pieza crea y recrea a la vez un mundo de precisas gestualidades plásticas. el polvo de mármol, la pintura acrílica, el aceite, los pigmentos, la tierra volcánica, el látex y otros materiales son habituales en sus obras. Para Orpí son importantes también los materiales humildes como el papel, el cartón, la arena, los hilos … que le interesan por su expresión plástica y se adaptan perfectamente a su lenguaje artístico …. “

Félix Riaza (crítico de Arte)

“…cada tela, es trabajada bajo índices que inciden en una cromacidad que se mueve entre el gris y el negro. Entre el contraste que representa la coloración fuerte, con la dèbil. Entre la realidad de exteriorizacion, un depurado dibujo y, la unidad, con la desenvoltura, que en este estudiado caso, viene representado por un comunicado, lleno de natural sinceridad. Las siutaciones escènicas, van del relieve, a la màgia de planteamientos artísticos planos, que nos llevan a adivinar las màgicas formas de un simbolismo embriagador, a la vez que atormentado, ya que se halla dentro de un mundo atàvico , inculcado por un cosmos sufridor i magnànimo a la vez.”

                                                                                                                Josep Lluís Ponce (crítico de Arte)

 

Artista presentada por: 

amics

 

 

 

Anna Comellas · pinturas

7 apuntes sobre Walser y 1 apunte blanco

 

Inauguración jueves 7 de marzo a las 19h

7 era el número favorito del escritor Suizo Robert Walser. 7 son los escritos que he elegido para este proyecto que comienza con 7 apuntes sobre la lectura de 7 textos de Walser.

Empecé el proyecto con un cuaderno de apuntes donde anotaba todos los pensamientos y reflexiones que surgían de mis lecturas, escribiendo sobre papel carbón, y utilizando varias veces para que las palabras fueran cada vez más ilegibles. De ahí surgió la publicación del pequeño libro negro, y de ahí una serie de obras en diferentes técnicas y formatos visualizando lo que permanece oculto en las páginas.

En esta exposición se muestran parte de las obras creadas por este proyecto y un apunte final, donde la nieve todo lo apaga …

Un tema sobre los que hace tiempo reflexionaba surgió de esta experiencia: La confrontación entre la existencia a través de la visibilidad y la existencia real. Unas hojas de papel carbón, que tenía desde hacía mucho tiempo, permanecían intactos en un cajón del taller. Sin embargo siempre estaban presentes en mi cabeza, ya que la magia y simbología del material, así como su relación con respecto a fuerza e inversión, están ligadas a ciertos conceptos del grabado. El acto de escribir manualmente sobre el papel carbón en todas las obras del proyecto puede parecer a primera vista inútil. Gran parte de este proceso no se visualiza claramente en la obra pero forma parte de un proceso donde la interiorización de la escritura y el gesto al mínimo y minucioso es importante.

En este proyecto aparece en todas las obras, sea como medio o como resultado: Copia, memoria, transcripción, grafismo, manuscrito, conceptos relacionados de alguna manera con Walser. El acto de escribir en el papel, así como el de dibujar en la hoja o grabar en la matriz, se convierte muchas veces en un paseo por la memoria, las preocupaciones, los empleos y los pensamientos. También el formato del libro, como contenedor de contenidos que esconde en su interior como objeto, forma parte.

Anna Comellas

 

Artista presentada por: 

Castells

Toni Llucià Sanahuja

Bajo el título Castells, la exposición quiere mostrar otra forma de ver los Castells, mostrando las emociones, sentimientos, el esfuerzo y la superación de los miembros de un grupo Castellera, en particular los Castellers de Terrassa.

La muestra de fotografías se dirige a la población general, a las personas interesadas en el mundo de la cultura y las fiestas populares, de la fotografía y en particular, en el mundo casteller, donde los valores de grupo, unión y de esfuerzo común, destacan como ejemplo para la sociedad actual.

La exposición se compone de una selección de fotografías de la pasada temporada de las actuaciones realizadas por los Castellers de Terrassa, junto con algunas de las Colles que participaron con ellos en las jornadas donde actuaron, tanto en Terrassa como de otros poblaciones.

 

Toni Llucià Sanahuja
Miembro del Fotoclub Terrassa
Miembro de la Federació Catalana de Fotografia
Dirección Electrónica: info@tonillucia.com
https://tonillucia.com
https://500px.com/goofy1935bluesman

Mar Sáez · fotografía

Vera y Victoria

El día que Vera besó por primera vez a Victoria le confesó que era transexual. Fue en un parque. No cambió nada. Durante los cuatro años que pasaron juntas se estimaron como nunca antes estimaron a nadie. En esta etapa de sus vidas Vera y Victoria dejaron de ser dos personas para convertirse en una. Juntas construyeron un hogar común llena de sueños y proyectos de futuro. Siempre se entregaron a su amor ajenas a los prejuicios de otras personas.

El trabajo es un diario visual comprendido entre 2012 y 2016 en el que retrato del universo íntimo de Vera y Victoria. Un universo en el que surgen renovados matices de la riqueza de una relación como la suya. Ni mejor, ni peor que las otras.

 

Mar Sáez es fotógrafa. Pero por encima de todo es una artista comprometida. En su fotografía se advierte una búsqueda profunda de complicidad con los protagonistas de sus historias. A través de fotografías intimistas, Mar nos narra historias en las que poesía y reflexión se dan la mano. Profundamente humanista, sus trabajos entierran sus raíces en lo social y en la antropología, cuestionando aspectos como el género o la identidad.

Estudió Psicología y Comunicación Audiovisual, pero es en el campo de la fotografía donde ha volcado toda su energía y pasión. Estudió el Curso de Especialización en Fotografía Contemporánea de Cienojos, el Master de Fotografía de Autor y Proyectos Profesionales de LENS Escuela de Artes Visuales en Madrid, y el Master de PhotoEspaña.

En la actualidad compagina su trabajo como fotógrafa freelance con el desarrollo de proyectos personales. Sólo en este 2018 sus obras se han podido ver en Barcelona (Can Basté), Madrid (Feria Estampa), Baracaldo (Festival Baffest), Arles, Vitoria o Marsella.

Durante dos años consecutivos, en 2016 y 2017, ha sido seleccionada para el premio Descubrimientos de PhotoEspaña. Asimismo, ha ganado dos veces el Premio LUX de Fotografía Profesional (2014 bronce y 2015 oro), en la categoría de Documental y en 2015 obtuvo el Premio Duo Fotógrafo Emergente, la Beca del XV Seminario de Fotografía y Periodismo de Albarracín, fue finalista en el Photon Festival de Valencia y seleccionada en el V Encontro de Artistas Novos de Galicia.

Ha colaborado con la revista Ojo de Pez y con diferentes medios nacionales. También ha participado, desde 2008, en diferentes exposiciones individuales y colectivas en España y los Estados Unidos en espacios como The Gabarron Foundation Carriage House Center for the Arts de Nueva York, entre otros.

En octubre de 2016 publicó su primer fotolibro, “Vera y Victoria”, seleccionado como el mejor libro de fotografía del año en PhotoEspaña 2017. También publicó el periódico DUO-A “Sobre el viaje por carretera con desconocidos “(editado por Phree), junto al escritor Miguel Ángel Hernández.

 

Artista presentada por: 

Logotip Tigomigo horitzontal

Pere Alavedra Duran

Las miradas de Pere Alavedra

Obres dels anys 1950 al 2007

Inauguración jueves, 10 de enero, a las 19h

Alavedra participó por primera vez en una exposición colectiva de pintura en 1953 y, su exposición individual, tuvo lugar en 1977 a los Amics de les Arts de Terrassa con una colección de collages compuestos con recortes de revistas en color.

En referencia a aquella exposición, el crítico de arte J. Corredor Matheos escribió:

El color es vivo. Policromía nueva y radiante, constituye una fiesta plástica que mientras la vista se detiene, pide que nos detenemos en cada parcela de color, ahora abstracta por ella misma en cada forma fragmentaria que reproduce fotográficamente la realidad, pero que pierde finalmente el su sentido fundida en el conjunto. Una especie de éxtasis por la mezcolanza de los colores vivos, como una alfombra oriental, pero que no nos distrae del objetivo último: la macroimatge recién creada. ‘

En 1968 obtuvo el Premi Aurelio Biosca en la Biennal de Pintura Ciutat de Terrassa y sus obras fueron seleccionadas en el Premi Joan Miró de los años 1977, 78, 79 y 80.

En 1984 y 1990 obtuvo el Premi de pintura “Terrassa vista por sus artistas” y fue seleccionado en el Criteri d’Arte en 1988, 90, 92 y 95.

Desde 1977 hasta el año 2007 expone regularmente en varias galerías. Estilo personal, adscrito al corriente neo-realista. Sus temas preferidos son el retrato y el paisaje. El collage es la técnica que más utiliza.

Pero, como dice el mismo J.Corredor Matheos la presentación de la exposición Fotocollages de 1991:

El hombre siempre está intentando alcanzar un camino o un procedimiento nuevo. A esto le llamamos inquietud. Pero al mismo tiempo, es un ser contemplativo que, en alguno de sus mejores momentos, se conforma a mirar, aunque esta sea una lenta manera, desinteresada, como nos demuestra cada día el artista, de llegar a ver. ‘

 

Artista presentado por: 

amics

35a Temporada BBVA de Dansa

15 fotografías de gran formato tomadas durante las diversas funciones presentadas en el Centre Cultural Terrassa durante el año 2018, dentro del programa de la 35ª Temporada del BBVA de Dansa.

Josep Guindo es Presidente de la Agrupació Fotogràfica de Catalunya, Vicepresidente de Fotoclub Terrassa. Especializado en fotografía de Danza y Circo, es fotógrafo entre otros del Ballet Nacional de Cuba, del Ballet de Catalunya, del Festival Internacional de Danza Alicia Alonso, Circuba y el Festival Internacional de Circo de Albacete.

INAUGURACIÓN: Jueves 3 de enero a las 19,30 horas.