Sala de prensa

Temporada BBVA de Danza 2019

Josep Guindo y Soldevila

Josep Guindo Soldevila, especializado en fotografía de Danza y Circo, es Vicepresidente de Fotoclub Terrassa y actual Presidente de la Agrupación Fotográfica de Cataluña.

En esta exposición se muestran algunas de las imágenes más representativas de las diferentes galas realizadas a lo largo del año en curso, en el que han intervenido compañías del prestigio del American Ballet Theatre de Nueva York, San Petersburgo Festival Ballet, Ailey- II, Ballet de Georgia, Victor Ullate Ballet, Compañía Antonio Márquez, Patricia Guerrero, Ballet de Cataluña, Crea Dance by Maria Rovira y la segunda edición de la Gala «Bailarines Catalanes en el mundo»

 

INAUGURACIÓN : Sábado 14 de diciembre de 2019, a las 19,00 horas

Los Nadies

Proyecto de concienciación social

Exposición  basada en la obra pictórica del artista Antonio Soto inspirada en el poema Los Nadies de Eduardo Galeano. 18 retratos de gran tamaño, miradas que hablan, con nombre e historias propias que recogen diferentes situaciones sociales de nuestro mundo, entre ellas el bullying, el tráfico de personas, la inmigración, etc.

Los Nadies nos permite reflexionar sobre quiénes son estos seres humanos que acaban convirtiéndose en meros recursos humanos. Quienes son estos ‘nadies’ que ni siquiera tienen nombre y que no figuran en la historia universal. Y también nos invita a pensar si estamos, nosotros mismos, tan lejos de convertirnos en ‘Nadies’, si seguimos siendo sólo espectadores.

Antonio Soto

Silencios

Cristina Capellades

La fotógrafa Cristina Capellades nos presenta una recopilación de fotografías y autorretratos en blanco y negro inspiradas en momentos de intimidad, desde una mirada introspectiva, en ocasiones muestra el cuerpo desnudo pero siempre desde la delicadeza y discreción que rodean las imágenes.

Soledad, quietud, calma, silencio, como si la imagen fuera tan sólo un pensamiento, un recuerdo o un sueño.

Inauguración sábado 9 de noviembre a las 19,30 h

La hora azul

Jordi Chamagué

L’HORA BLAVA ( La Hora Azul) es una exposición fruto de la acumulación de imágenes en la hora azul desde que el autor se inició a la fotografía digital. La hora azul es un momento de luz ideal puesto que la luz artificial no contrasta con la luz del ambiente y obtenemos resultados óptimos. Hay pues imágenes tomadas con máquinas compactas, teléfono móvil, máquinas réflex hasta incluso con máquinas sin espejo. A pesar de que la más antigua es del 2004, hay recientes de las vacaciones de este año 2019 en el cual todavía estamos.

Como fotógrafo de viajes y naturaleza, el tarrasense y socio del Fotoclub Terrassa y del Centro Excursionista de Terrassa, Jordi Chamagué Sans, recoge en la exposición, paisajes y ciudades de alrededor del mundo en sus 32 láminas, alguna de les cuales le ha dado algún premio como en el último FOTO ÈGARA 2019 o ya el no tan lejano #millorfototerrassa2017 d’instagram organizado per @terrassaturisme.

El autor también es miembro de la Federació Catalana de Fotografia, Societat Catalana de Fotògrafs de Natura, Confederación Española de Fotografía y Asociación Española de Fotógrafos de Naturaleza. Pertenece también al grupo XAFA’T, la Xarxa Fotogràfica de Terrassa donde en al primer año de su formación llegó a dar incluso una conferencia.

INAGURACIÓ: Lunes, 7 de octubre, a las 19’30h

Foto Ègara 2018

Inauguración y entrega de premios: lunes 9 de septiembre a las 19 horas

FOTO EGARA 2018 es una exposición colectiva del concurso social de fotografía organizado por el Fotoclub Terrassa. El nombre del concurso «Foto Egara», hace referencia al mítico concurso de fotografía «Trofeo Egara» organizado por el Fotoclub Terrassa en sus inicios con una gran trascendencia en el ámbito nacional e internacional.

Esta colectiva recoge una muestra de las fotos más valoradas presentadas por los socios y socias del Fotoclub Terrassa 2018, con cinco convocatorias (los cinco temas de esta edición son vehículos,
retrato en color, arquitectura en blanco y negro, cine y denuncia).

Los autores de esta muestra son:

Jaume CASANOVAS
Jordi CHAMAGUÉ
Antonio IBAÑEZ
Francesc IÑIGUEZ
Jordi LÓPEZ
Maria José LUQUE
Toni LLUCIÀ
Antonio MAKEDA
Xavier MAÑAS
Joan MARTÍNEZ
Xavier MARTÍNEZ
Joan MATA
Rubén MITJAVILA
Pep MOTA
Dolors PEREGRINA
Virgili VERA
Xavier VILAMANYÀ

Toques de luz

Àngel Arcega García

Ya hace varios años, que un laboratorio analógico regaló a sus clientes, un calendario con bodegones de cámaras antiguas Kodak. Estos bodegones encantaron al fotógrafo Ángel Arcega y siempre había tenido la ilusión de hacer unos bodegones como aquellos, pero le faltaban las cámaras para poderlo hacer. No fue hasta el año pasado que las pudo encontrar por internet. Era el momento de hacerse con una pequeña colección de cámaras y pequeños objetos para poder hacer los bodegones que tenía pendientes.

Estos bodegones han sido la puerta para animarle a hacer nuevos tipos de bodegón a base de objetos de vidrio. Ahora ya no compra mas cámaras, pero sí compra objetos de vidrio con encanto. No se había dedicado nunca al bodegón, no veía ningún interés, pero ahora ha encontrado una temática de la fotografía a la que se quiere seguir dedicando con ilusión.

Inés Rubiales

Action pouring. El nuevo minimalismo

El pouring o fluido líquido es una técnica relativamente novedosa que no es fácil de etiquetar porque oscila entre el arte abstracto y el minimalista. Entre sus precedentes conocemos el dripping o goteo, una técnica de mediados del sXX popularizada por Jackson Pollock.

La pintura tiene vida propia, yo sólo trato de dejar que aflore. JP

La técnica consiste en incorporar colores sin que se mezclen y añadir diferentes aditivos (silicona, alcohol, cola blanca, látex,…) en función de los resultados que se quieran obtener. A partir de balancear los lienzos con precisión conseguiremos lo que llamamos células o celdas, derrames y otros patrones abstractos extraordinarios. Al final la técnica se completa con la utilización de aerógrafos, sopletes o secadores. El pouring es una disciplina muy técnica que requiere habilidad, ciencia y sobre todo mucha práctica.

La aplicación de estas técnicas nos transportan a un producto único, irrepetible e irreproducible con el objetivo de proyectar en el individuo emociones diversas. Interpelarlo con un diálogo singular, exclusivo y apasionante. La modalidad pone en valor la acción y el gesto equilibrando el movimiento, la composición y la combinación de materiales para dar lugar a unos efectos espontáneos imprevisibles que hasta el momento no conocíamos en arte figurativo.

 

 

Artista presentada por:

amics

Ángel Camino

La oscuridad visible

El impulso de crear surge del azar,
de los encuentros fortuitos,
de la naturaleza, de los sentimientos.
Al realizar una escultura estamos haciendo una afirmación de lo visible,
de lo que nos rodea y que continuamente aparece y desaparece

Inauguración jueves 7 de noviembre, a las 19h

Ángel Camino, infatigable perseguidor de sueños, poeta visionario, imagina y cumple designios de ilusión apasionada. Y se acerca de nuevo al fuego sagrado que calienta medio del algidesa del cosmos. Intuye de nuevo que el afán de averiguar el sentido de la existencia topará con una inescrutable oscuridad. Sin embargo, el dominio magistral de las técnicas, la investigación metódica, la tristeza y la alegría de los acabados, el proceso entero la ayuda a iluminar tinieblas. Tal destellos de un faro, los estallidos de entusiasmo proyectan sombras sobre el abismo inherente al acto creativo. Las composiciones nos fascinan con algún atractivo poderoso que da igual que la llamamos belleza como sublimitat- conduce a la fluctuación metafórica con la que tratamos de explicarnos a nosotros mismos desde la escisión originaria de la conciencia del ser y de la nada. En el interior de cualquier lenguaje quedan indicios de esta dicotomía. Y la poética se refiere explícitamente, cuando trata de nuestra condición precaria.

El discurso del artista muestra realidades inaccesibles. No se basa en la persuasión sino en la complicidad. Y se refleja en una vivencia mística: la domesticación del caos. Sin embargo, lo que buscaba no coincide con lo que encontrará. El azar, el reverso de la secuencia de causas y efectos, es parte constitutiva del orden aparente.

La oscuridad visible plantea el enigma de las ambivalencias. Primeramente, observamos dibujos y grabados, imágenes incipientes que no consideramos meros ejercicios preparatorios de las expansiones volumétricas ulteriores; al contrario, los vemos preámbulos imprescindibles los objetos concebidos de antemano. Percibimos recogimiento, intimidad y soledad hasta que, en un segundo instante de eclosión, los espacios en blanco se convierten profundidades pétreas. Las líneas sinuosas rodean el granito y el mármol del crecimiento.

Y, en último término, experimentamos la metamorfosis del bronce y del hierro: lucha por la supervivencia, amor intangible, aceptación de la muerte. Las obras plasman la concordancia mítica de los tótems, poseen la virtud preservadora de los talismanes y, al mismo tiempo, reúnen influencias contemporáneas. Apreciamos la maestría de Henry Moore y Jorge Oteiza, hacedores de huecos esenciales; la huella del expresionismo abstracto de Jackson Pollock, y en los trazos de pintura y las geometrías, reminiscencias de culturas ancestrales. Pero la experiencia individual es única, intransferible, resiste a todo reduccionismo.

Texto de Manel Gibert

 

Artista presentado por: 

Imanol Buisán

La costilla

Visita guiada, sábado 26 de octubre, a las 17’30h

Si el collage se hubiera convertido en el único sistema de expresión Imanol estaría esculpiendo su piedra Roseta, expresiones propias para sociedades con su gramática, con sus entonaciones, marcando ritmos y acentos, con su particular versión demótica y la traducción jeroglífica, lenguajes que propone como excluyente de los que nacen nuevas lenguas, unas ya muertas y otras por nacer, por dejarse contaminar por las forasteras. Y es en ese ansia de picapedrero por ir tallando formas con la hoja afilada de un cútter la que le ha llevado a este lenguaje de veladuras, en lo que ha llamado “La costilla”.

La propuesta que presenta nace de la necesidad de huir de la rutina de collage diario que practica desde 2014 en la que investiga todo esos universos, pero sobretodo como consecuencia de reencontrarse con la figuración tras dos años de trabajos abstractos a nivel formal. Sin embargo a nivel conceptual propone reflexionar en torno a las nuevas masculinidades, plasmar a un hombre frágil, un hombre construido en 2019, que no es más que las capas del antiguo hombre, buscándose a si mismo y a los demás en un mundo que no necesita muros, sino membranas que diferencien lo masculino de lo femenino y al mismo tiempo que no demanda que lo femenino tenga una apariencia prefijada.

Y si Dios cuando le arranca con violencia la costilla a Adán crea un hombre, otro hombre a partir del hombre que ya creó, de todos sus hijos, de todos esos hombres, un hombre frágil, hecho de retales, de recuerdos de todos esos hombres. Esta pseudo revisión bíblica comporta no sólo pensar en el individuo sino en las relaciones que se puedne crear a posterior, en las ciudades, en las relaciones de poder. Este hecho nos hace entender el tiempo como algo circular, donde aprendemos del futuro donde fuimos, para ser otro, un ser que se autoreconoce en la flaqueja, en la no identidad personal como algo preponderante para su existencia sin convertirse en una masa heterogenea.

Los cuadros proponen figuras que se desdibujan, rostros que se intuyen, en los que se puede ver a través de ellos, hombres que nacen de revistas olvidadas, que nacen de otros hombres, de sus casas, del mundo creado, material en desuso que se extingue para dar vida a una nueva creación, sin ningún interés por hacer referencia al original, al mundo que le precede, a la forma concreta de donde viene y que formalmente sucede, nace, siendo hijo de las cenizas de lo mundano.

Imanol entiende el collage como una disciplina artística, sin necesidad de estar subyugada a otras, por ello la trabaja en su estado puro en la mayoría de las ocasiones, y las excepciones son una lucha interna por llevarlo, el collage, a un grado superior. Es por este motivo que lo compara constantemente y reflexiona sobre su materialización, maneras de trabajarlo y temas, de ahí la importancia de recurrir a uno de los temas fundamentales, el retrato, para revisitarlo y formalizarlo teniendo en cuenta las reglas del universo del papel impreso. Negar la importancia de la imagen de donde extrae el material le ayuda a construir los retratos, así no nos perdemos en otras formas, y le permiten trabajar de una manera tan plástica como la pintura, dibujando con las manchas de revistas olvidadas.

 

Imanol Buisán, Terrassa 1985. Es collagista y collagero, horticultor aficionado, ciclista con carnet, transeunte y alguna otra cosa más. Comenzó su proyecto diario en 2014, el que no ha cesado, y a partir de él vertebra la mayoría de sus obras, si estas no surgen del proyecto son material de laboratorio que le permiten encontrar maneras, reflexionar en torno al trabajo. Su trabajo se fundamenta en dos ejes: el tiempo y el lenguaje.

El tiempo no es tan solo una constatación de su existencia, una necesidad por sentirse útil, es un proceso, entender la constancia como un elemento artístico borrar el aura, y es elemento que deconstruye para establecer una unidad de medida más humana, más adaptada al hábito, al quehacer diario, a la cotidianidad.

Su mesa es un laboratorio en bucle que encuentra y deshecha rutinas, fondos, maneras de enfrentarse, temáticas, sublenguajes, acentos, para carvar, para encontrar tras el papel infinitas maneras de construir a partir de un universo ya construido, asimilando toda la cultura audiovisual que le precede y la que se está construyendo para hacer, como un método artístico de reciclaje de la imagen, de reuso.

Diversas publicaciones han contado con sus obras, tanto revistas como libros internacionales Maintenant (EEUU), Ground Magazine (Alemania), Colective Collage (Internacional), El romancero gitano ilustrado (España) entre otros. Medios del sector han reconocido su trabajo como Toombes o la plataforma Ello. También ha participado en diversas exposiciones colectivas y ha realizado alguna individual, destacando “Ese libro no se corta” la cual permitió editar un libro con el mismo nombre.

 

Artista presentado por: 

Logotip Tigomigo horitzontal

Ignasi Verdós

Musique Pictorique

Ignasi Verdós nace en Terrassa el año 1934, con un bagaje familiar en el campo de las artes, la pintura y el dibujo. Cursa estudios con el maestro Ramón Cortés y más tarde los continúa en Barcelona. Interesado por la figura y el retrato, asiste a la Escola Municipal d’Arts Aplicades de Terrassa, donde practica la técnica del dibujo y la pintura de modelo al natural.
En Terrassa hace salidas al aire libre con otros pintores y amigos, como en Solà, Salvador Arís y Miquel Piñol, entre otros. Recorriendo los entornos de la ciudad, del Parc Natural de Sant Llorenç del Munt y del pueblo de Mura donde se quedó a vivir.
En sus inicios se centraron en una pintura figurativa y post-impresionista, siguiendo la escuela terrassenca de sus predecesores y maestros como: Vancells, los hermanos Viver y en Ramón Cortés. Pero también ha seguido una serie de «ismos» alternando figuras, formas geométricas, abstracciones cubistas, retratos bi o tri-color sintetizados. Para pasar posteriormente a una pintura creativa y personal, muy atmosférica, con veladuras y «frotées» que recuerdan las obras de Turner.

En la exposición que ahora presenta bajo el título Musique Pictorique nos muestra diferentes paisajes que podríamos definir como bucólicos, llenos de atmósfera, con unas texturas y colores relajantes que transportan al visitante en un sueño nublado con la mente. Que hace que vaya descubriendo lejanías, nieblas, reflejos, árboles, ríos. Y todo ello permite disfrutar plenamente de estas obras de una forma imperceptible.

Sus pinturas han sido expuestas en muchas galerías españolas, así como de Portugal, Francia, Austria, Holanda. Y las obras han sido adquiridas por coleccionistas de Alemania, Italia, Austria, Turquía, EE.UU.

 

Artista presentado por:

Amics de les Arts i Joventuts Musicals de Terrassa